Une ferme traditionnelle à quatre côtés dans la région d'Altmark : quatre générations de femmes y ont vécu. Chacune d'elles y a grandi, de l'enfance à l'âge adulte. Qu'est-ce qui les a façonnées ? Quelles épreuves ont-elles traversées ? Qu'est-ce qui leur a apporté de la joie ? Et surtout : comment ces vies s'entremêlent-elles ? Qu'est-ce qui se transmet d'ancêtre en descendant, même si ces derniers ignorent tout des traumatismes passés ? La réalisatrice Mascha Schilinski pose ces questions dans son film à succès, récompensé cette année par le Prix du Jury à Cannes . Son exploration sensuelle et méditative des secrets et des souvenirs place quatre jeunes filles au cœur d'un film choral à la distribution brillante. Alma ( Hanna Heckt ) grandit dans les années 1910, Erika ( Lea Drinda ) trente ans plus tard, Angelika ( Lena Urzendowsky ) dans l'Allemagne de l'Est des années 1980 et Nelly ( Zoë Baier ) à notre époque. Une mosaïque à la fois macabre et joyeuse, toujours truffée de secrets, capturée dans un langage cinématographique d'une audace rafraîchissante et inédite.

Erika est censée rentrer les cochons à la grange, mais son imagination la transporte ailleurs. On la voit marcher avec des béquilles, une jambe bandée. Non, ce n'est pas elle qui est blessée, mais Fritz ( Martin Rother ), dans la chambre duquel Erika se glisse. Elle soulève le drap qui recouvre son corps nu, le regard fasciné, teinté d'érotisme, fixé sur le moignon cicatrisé. Un peu plus tard, elle reçoit une gifle retentissante – après tout, les cochons courent toujours dans la cour. Erika détourne la tête, mais elle ne pleure ni ne crie ; au contraire, elle fixe la caméra d'un regard rêveur. Le temps semble s'arrêter. Qui regarde Erika ? Nous, les spectateurs ? Les femmes des autres lignes temporelles, que le film entrelace progressivement ? La question reste sans réponse, et c'est voulu. Cependant, au fil des associations d'idées et des sauts temporels (vers le passé et vers le futur), on finit par découvrir qui est Fritz et comment il a perdu sa jambe. D'autres questions trouvent également une réponse, mais comme pour Fritz, pas dans la scène suivante ni dans celle d'après. Elles sont généralement résolues dans le dernier tiers du film, lorsque tous les fils de l'intrigue se rejoignent. La tension naît de la reconstitution du puzzle. Mais le film ne vise pas principalement à résoudre cette énigme. Il s'agit plutôt d'un flux d'images qui invite à l'immersion. D'un plaisir procuré par des plans sensuels et constamment surprenants, dans un format 4:3 étroit qui met en valeur les perspectives individuelles des protagonistes. Mascha Schilinski et son directeur de la photographie, Fabian Gamper, imaginent une multitude de procédés ingénieux pour nous permettre de voir, en quelque sorte, à travers les yeux des personnages. Ils ne racontent pas une histoire au sens conventionnel du terme. Au contraire, ils nous incitent à aiguiser nos sentiments et à mettre de côté notre intellect, qui tend à interpréter plutôt qu'à observer attentivement. Cela implique un lâcher-prise, tout comme les jeunes filles et les femmes représentées perdent souvent le contrôle de ce qui les affecte, sans pouvoir le maîtriser. Ne pas être maître chez soi – Mascha Schilinski et sa co-scénariste, Louise Peter, étendent cette expérience au-delà de l'horizon psychanalytique de l'interprétation. Ce ne sont pas seulement les processus inconscients, au sens d'événements refoulés mais aussi les expériences vécues personnellement, qui influencent les expériences et les actions des personnages du film. Plus encore, ce sont les traumatismes de leurs ancêtres – et même ceux d'étrangers ayant jadis habité la ferme.

Si l'on interprétait « Les échos du passé » (In die Sonne schauen) uniquement comme un récit d'oppression et de discrimination envers les femmes, le sujet ne manquerait pas. Stérilisation forcée, viols et agressions sexuelles y occupent une place prépondérante. Ces thèmes ressortent des recherches menées par Mascha Schilinski et Louise Peter après leur séjour dans la ferme. Elles ont découvert des témoignages, par exemple, selon lesquels les domestiques devaient être rendues inoffensives pour les hommes, sans autre explication. Cependant, l'intérêt des réalisatrices ne se limite pas au réalisme social, même si le film rappelle par moments « Le Ruban blanc » (2009) de Michael Haneke . Les questions relatives à notre identité profonde, à notre perception subjective du monde et à l'influence de nos souvenirs sur notre image de nous-mêmes sont tout aussi importantes à leurs yeux. Ce drame générationnel ne prétend à aucun moment apporter de réponses définitives à ces questions. Au contraire, il se prête au trouble et à la surprise. Il joue avec l'ambiguïté et l'insaisissable. Par ses nuances subtiles et son imagerie onirique, par la fureur vitale et le désir de mort de ses protagonistes, « Looking at the Sun » explore des territoires inexplorés, même sur le plan du langage cinématographique. Son approche, qui vise à se rapprocher au plus près de l'expérience personnelle, est sans précédent. Déjà dans son premier long métrage, « Die Tochter » (2017), tourné lors de sa troisième année d'études, Mascha Schilinski avait osé explorer la vision du monde radicalement subjective d'une fillette de sept ans (interprétée par Helena Zengel , avant son rôle révélateur dans « System Crasher ») qui convoite son père et devient ainsi une rivale pour sa mère. Aujourd'hui, dans son nouveau film, son véritable premier long métrage, Schilinski dépeint un siècle entier, presque de l'intérieur, à travers un entrelacs de points de vue, de sentiments, de rêves, de désirs et de peurs. C'est précisément grâce à la profondeur émotionnelle du film que la réalité et la vie intérieure fusionnent en un tout universel qui persiste longtemps après le générique.